VAZATI

Fue una de los protagonistas principales de la Movida madrileña de comienzos de la década de 1980. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro pintadas a mano con acuarela. Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido típico de esta artista. Su obra se ha expuesto en ciudades como París, Londres, Tokio, São Paulo, Tel Aviv, Shanghái, Beijing, Roma, Buenos Aires, Colonia o Nueva York, entre otras. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía.

Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor «El Hortelano», un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía una estrella llamada "OUKA LEELE". Bárbara quedó maravillada por esta palabra y decidió que quería firmar sus obras así. Reforzada en esta decisión por su primer galerista, Albert Guspi, expuso desde entonces su obra bajo este pseudónimo, al que quitó una E, firmando como OUKA LELE hasta 1999 en que volvió al nombre original "OUKA LEELE".

En cuanto a iluminación, hago una entrada cuádruple, esto quiere decir que veréis cuatro tipos de iluminación con diferentes medios:

• Flash de mano para conocer un poco sobre el modo TTL y Manual.
• La clave baja con un punto de luz concentrado. 
• Macro-bodegón con anillos. 
• Bodegón de luz y contraluz.

Pero empecemos por orden de disparo.
El primero, se realizaron varias fotos con dos modos distintos del flash. Hablo del flash de mano y sus modos TTL y Manual, donde vemos que el modo TTL (Through the lens "a través de la lente") es una medición, como una especie de automatismo, que calcula cuanta luz debería emitir el flash para poder iluminar al motivo que queremos capturar y la cámara decide cuando para de emitir dicha luz. Esta medición se consigue a través de un sensor que se encuentra en el cuerpo de la cámara que determina cuánta intensidad es suficiente para que la toma esté bien expuesta.

Os pongo unos ejemplos de contraluz usando el flash para iluminar la cara. Aquí podéis ver como el modo TTL funciona, mientras que con el modo Manual tengo que estar controlando y calculando continuamente para la mejor exposición.

Usando una mesa de bodegón se hicieron dos fotografías, la primera con un flash para crear una silueta y la segunda con ese mismo flash para iluminar al objeto.

Fotografía Macro.
En las fotografías siguientes se realizaron macrofotografías o también llamado macro-bodegón. Para aquellos que no sepan que es una macrofotografía, es un sistema fotográfico que permite obtener fotografías de objetos muy pequeños ampliadas directamente por el objetivo de la cámara.

Para realizar la macrofotografía se necesita tener un objetivo macro, pero los objetivos macros baratos no son, por tanto hay otros modos más económicos para conseguir fotografía macro.

 Para hablar del bokeh, tenemos que hablar de la profundidad de campo. La fotografía bokeh se refiere a la calidad de las zonas desenfocadas en una fotografía. Se produce en fotografías con poca profundidad de campo dejando al primer término enfocado y el resto desenfocado. En caso de que haya luces, esas luces se convierten en puntos luminosos dando un aspecto abstracto. 

El 21 de Diciembre 2016 estuvimos en Madrid capital haciendo una visita a varias exposiciones.

Primera parada, Tabacalera en la Glorieta de Embajadores (Madrid), una exposición abierta y de libre acceso en un edificio donde puedes encontrar exposiciones de todo tipo muy interesantes, si alguna vez no tienes ningún plan, yo diría, Tabacalera.

En cuanto a la primera exposición, "Cespedosa. Juan Manuel Castro Prieto" se basa en la reconstrucción de la vida del fotógrafo. La exposición se centra en Cespedosa de Tormes donde fue criado y donde está la mayoría de sus protagonistas fotografiados.

En la exposición hay entorno a 200 fotografías repartidas en seis salas. Cada sala como una evolución de sí mismo.

Esta fotografía,  que era la fotografía del cartel de la exposición, es de todas las que hay, la que más me gusta en solitario. Con ese juego de luces, buscando la luz centrando la atención en el centro de la imagen y con un haz de luz que te dirige al centro. Es la fotografía que más me ha impactado y la que más me ha gustado. Además añadir que es una fotografía horizontal que ayuda a que sea una fotografía más "serena" aunque con todos lo elemento en juego, es difícil de tener una sensación de tranquilidad. En este caso, produce lo contrario, y eso es lo que más me gusta.
El círculo que está formado por el cuenco ayuda a reforzar la atención en esa zona de la fotografía, por contribuir como si fuese un punto grande.

El contraste que hay entre el punto blanco de luz en el centro y su degradado hacia el exterior de la fotografía ayuda a potenciar el centro óptico de imagen. Añadir que la fotografía usa el color, con una armonía perfecta aunque tenga unos simples tonos. Hay que añadir que la pared ayudaba a acentuar la atención de la fotografía.

Muchos de sus "errores" fotográficos a veces son espectaculares, como a continuación os explico, el fotógrafo estuvo haciendo una fotografía de larga exposición y al venir un coche se tuvo que mover para que no le atropellaran. Le da a esta fotografía un poder y una magia que posiblemente no hubiera podido tener, o no.

Es ya la octava edición que se lleva celebrando el CIBRA, el festival del cine y la palabra que se celebra en Toledo tomando origen en la Puebla de Montalban.

Asistí a una de las actividades programadas por el CIBRA  encuentros de cine y palabra. Una proyección sobre la vida del poeta Luis García Montero donde nos a ilustrado en el documental con unos poemas. "Aunque tú no lo sepas" de Luis García Montero. La proyección se realizó en el Matadero LAB, en el I.E.S. Sefarad de Toledo.

El reportaje contaba la vida de Luis García Montero, su evolución desde sus inicios con familiares, amigos y conocidos que han estado trabajando y/o convivido con él.

Al terminar la proyección del reportaje, Luis García Montero junto al equipo del reportaje 

como el director de producción Charlie Arnaiz o el realizador Alberto Ortega, dieron una pequeña charla donde el público podía participar con dudas que tuvieran o preguntas que les gustase que les resolviera el equipo y el mismo poeta.

Como actividad extra, se ha hecho una fotografía que nos inspirara para hacer una foto, la mía la podéis encontrar en mi blog "Ese reino perdido".

Y he elegido dos fotopoemas de dos compañeras de mi clase, una de ellas con el mismo poema "Ese reino perdido" por Sara Fernández y otra compañera "En los días de lluvia" por Ana Carrión. 

Ese perdido reino
donde cualquier política tiene forma de beso,
de cicatriz privada
detrás de los abrazos,
nos está dominando con sus sueños,
de distancia a distancia.

Quiero que te levantes
con la misma impaciencia que los árboles,
creciendo hasta lo exacto
para rozar mis labios, para buscar en ellos
la humedad sin la lluvia.

Sé que descubriremos
siluetas desnudas por la casa,
recuerdos visitantes,
fantasmas de una noche sin verano,
que andarán en nosotros y pedirán su cuenta,

porque la oscuridad, como un espejo,
nos devuelve la imagen que le damos.

Pero conozco todas las preguntas
que no sé contestarte,
el cuerpo en donde viven las interrogaciones,
tu sueño en los pañuelos, como de haber llorado.

Una palabra es un conjunto de letras que le dan un significado, pero al separarse pierden la coherencia de su existencia. Existencia que fue creada para un hecho que en caso de separarse, ya no existe.

La fragilidad de que se haga trizas una palabra es la misma que el mal uso que se haga de la misma, asumiendo así la consecuencia de que esa ruptura ya no tiene vuelta atrás. Se intenta maquillar, arreglar o dar una solución, pero muchas veces la palabra pierde el significado aportado y por tanto el valor que tenía, se corrompe. Corrompe el significado, el valor real que tiene, su fuerza; pero su fin es otro.

El fin de una palabra es único, pero si se usa mal, esa autenticidad deja de ser primario para convertirse en un estado de confusión y estar en un segundo plano siendo una metáfora de quien la crea.

Es obvio que quien corrompe esa palabra haciendo que pierda el significado es consciente de su mal uso, y por tanto está urdiendo un fin que en apariencia no sea la más precisa. Y en ese momento se convierte en numerosas partes, cada una con significados completamente antitéticos y escogiendo la más parecida a su realidad, no de la palabra, sino de la creada.

Pero es de notar que cuando se utiliza incorrectamente, se palpa la dirección en la que se encamina, de cómo la palabra se metamorfosea en mil pedazos y si estás un poco atento, observas cómo la palabra toma un nuevo significado. 

Fotoperiodismo: tiene la finalidad de crear imágenes con el objetivo de presentar una noticia, las imágenes expresan un sentimiento frente a los acontecido y más que nada presentan un impacto sobre nosotros.

El origen se encuentra estrechamente ligado con la fotografía documental, el sustento teórico y práctico de la actividad fotoperidística que se desprende y alimenta del postulado dogmático de que la fotografía documental (como referente de la "verdad"), se vincula al compromiso de no modificar ni influir sustancialmente la realidad.

Muchos premios se han ido dando a fotógrafos de diferentes nacionalidades. Fotografías que hieren la sensibilidad de hasta una simple roca, fotos que visto desde la moral, son fotografías inmorales, ya que muchas veces se quiere coger el momento exacto de una fotografía a sabiendas que la otra persona está sufriendo.

Muchas personas pusieron el grito en el cielo con la anterior foto mostrada, donde podemos ver a una niña o niño desnutrido yaciendo en el suelo y un buitre atrás suya esperando. Esto llevó a que Kevin Carter, recibiendo muchas críticas, le llevara al suicidio.

Nosotros en ningún momento sabemos qué ocurre justo después de tomar la fotografía, si el fotógrafo ayuda a la persona en auxilio o espanta al buitre como en el ejemplo de la anterior fotografía o simplemente el fotógrafo mira hacia otro lado.

Las fotografías periodísticas nos informan e impactan sobre la realidad de este mundo, de que tomemos conciencia de lo que ocurre fuera de nuestro ombligo. Pero a veces la realidad mostrada, no es la realidad verdadera.

Muchos fotógrafos actuales al trabajar para periódicos, éstos retocan las imágenes para el medio que se vaya a utilizar y por tanto la realidad puede estar truncada.

Debemos de considerar que debemos conocer de antemano qué es lo que está ocurriendo en la foto, dónde se encuentra el fotógrafo y por qué ha tomado esa fotografía. Una vez hecho eso, ya nosotros mismo pensaremos si es ético o no, si es de verdad o no, si nosotros mismo seríamos capaces de tomar fotografía así. He de decir, que yo no creo que tenga el cuerpo hecho para este tipo de fotografía, donde vería a personas continuamente sufrir por la situación en la que están viviendo o más bien sobreviviendo.